初学服装设计，首先需要一个大的框架，避免一头扎进某一个小细节里面，钻研很久也没学全面。下面介绍一下最基本需要学习的东西，完成了下面的全过程才能说进了服装设计的门。
一、时装画（fashion illustration）
时装画是一种非常个人化的草图创作手段。由于根本目的是展现自己的idea和concept，因此人体比例经常比较夸张，达到九头身甚至十头身；而现实中的普通人则一般是七头身或八头身（现实暴击……这就是为什么模特身上的衣服，我们穿起来总是不好看。
在讲时装画的具体内容之前，容我先说一句：手绘或者绘画基础并不是学习服装设计的必要前提。这句话可能对于国内传统的服设院校和专业来说是“大不敬”，但事实确实如此，只是国内外在服设教学的理念和步调不大一致，我们前文已经帮大家厘清楚了。
看过前文对于fashion/apparel的辨析、以及我们国内对于服装设计教育的变革之后，大家就会明白，正是由于fashion天然的“独创”与“不可复制”的特性，国外的fashion教育天然地将手绘仅仅作为整个设计的辅助手段，只用于大致呈现最终的Line-up。比手绘更重要的是剪裁与面料选择，比这两点还重要的是创意。
所以在不少录取英美名校的作品中，大家会看到sketch并不出彩，甚至觉得有些丑陋。有不少国内体系学习的同学看到申国外院校的作品，总会觉得他们的手绘太随意了，自成一派，简直“远近高低各不同”；更别说各位大咖的手稿了，几乎张张都是个人风格极其鲜明的艺术品了。
一些“怪异”与“正常”的录取到国外名校作品集的时装画：
可以看到，最重要的是你的主题、创意、对人的思考、对人与社会关系的探讨，而时装画只是辅助手段。
此外，从细分的领域来看，如果从事创意或高端服装设计（定制礼服、婚纱、西装等），立裁是最能展现你灵气的手段，而不是手绘。服装设计是以成品论英雄的，你的成品基本是展现你创意的唯一途径：换句话说，时装画（草图）是给自己看的，成品才是给别人看的。而“成品”的呈现方式，基本上都是照片与视频，同样没有手绘发挥作用的地方。
大不敬的话讲完了，希望大家在没有明确目的、盲目开始学之前有能够有一个基本的认识。在学习地点方面，最好先决定到底是走国内还是国外体系。
然而，为了顾及更多完全零基础的同学，我仍然从最最基础的手绘讲起，确保大家的知识没有盲区。1.人体速写
画人体速写，我们不需要画得非常细节、生动，妆容与发型也不可喧宾夺主；因为这只是你的“衣服架子”，正如服装店中的模特。当你画习惯了、有了自己顺手的模板与造型，你完全可以将其数码化，有需要时就打印出来，省时省力。但这里要注意，这个template能且只能是你原创的，切不可“拿来主义”。
我们以最常见的女性直立站姿模特为例。整个人体大致可以被分为三个等分的部分：从头顶到腰部，从腰部到膝盖，以及从膝盖到脚部。我们说的九头身或十头身，多出来的部分基本是通过拉长腿实现的（跟我们P照片的思路一致……）。
肩线、腰线与臀线是三个非常重要的交叉线，在人水平状态站立的情况下，都呈平行状态；而如果变换姿势或处在运动状态下，我们需要合理调整这三条线来体现动势以及体重的转移。
如果对这个没有概念，你最好了解一下肌肉组织和骨骼结构，这可以帮助你更好地了解人体所表现的外在形态。当然你并不需要熟记每个肌肉和骨骼的名称，只需要了解皮肤下各个骨骼的组成、关节的作用、以及覆盖在其上的肌肉的相互结构与运动形态时的组织关系。
直立站姿之后，我们可以尝试不同的站姿，以配合你的服装表达不同的情绪与态度。而做到这一点并不容易，因为哪怕只是一只胳膊换了位置，肩线、腰线都要变动，而且人的肌肉群、骨骼与体重的转移都要体现出来。所谓“骨骼带动肌肉，肌肉带动表皮”。
具体的画法如下：
(1) 首先，需要在图纸上画一条竖线（即中心线，balance line）来表示模特在纸上的高度，并将这条线依次等分为九份或十份，其中头部占一份。当然，你也可以根据自己的喜好和需求来调整高度，一切为你的作品服务。
《伯里曼》一书中，作者也有教授通过圆柱体与四边体的穿插结合来进行人物形态的定位。根据人体不同部位的形状来轻勾出草图，这就需要大量的人体实物练习来提高你的定型水平；能够快速并准确地描绘出一个模特的动态走势图，这样才能真正掌握人体结构定型能力。
(2) 在一等分的椭圆形头部中，你需要按照五官比例画出相应的眼睛、鼻子等五官，借助辅助线来确定他们在脸上的位置。椭圆形的中竖线是按照脸部额头中心、鼻子中心和下巴中心所连接成的面部朝向中线，而横中线则是确定眼睛的中心线。同时，按照头部的朝向不同，也需根据朝向将椭圆形倾斜相应的角度。
(3) 对全身各部位进行适当描绘。
眼睛（着重描绘）：上眼睑与睫毛可重点描绘或加粗；眼球需要表现出球状的弧度感。
鼻子：通常在画时装画的时候，我们不会过多刻画鼻子结构，而仅以简单的几笔线条带过；需打上些许阴影显示立体。
嘴唇（着重描绘）：嘴唇需要表现出肌肉的丰满感，需要注意表现上唇与下唇的弧度。
耳朵：耳朵通常只需表现出耳廓与内耳蜗，不需要细节的刻画。
颈部：在时装画中，脖颈通常要画的长些，从而体现模特的优雅与纤细感（再次暴击。在了解颈部肌肉的基本组织结构后，需要准确把握颈部转动下的肌肉结构变化；通常，我们会利用脖颈的外轮廓线与下巴处和肩颈部线条的交错对接来表现转动的感觉。颈部是一个圆柱体，需要注意描绘时要表现出脖颈的体积感；此外，在描绘服装领口的时候，需要画出透视的感觉，把线条延伸进去。
四肢：四肢的描绘应使用连贯的、稍弯曲的线条，尽量避免短促的、“毛碎”的线条，从而体现女性的高挑与气质。
其中手臂分为上臂和下臂，都是形似圆柱体的结构，中间的连接肘关节是形似球体的结构。通过线条连接表现出手臂的体积感，肘关节的轮廓需要突出。
腿部则需在连续的曲线之外，稍加用心地勾画出膝盖与足部。
手：我们都说“画人难画手”，这是因为手部的关节很多，需要反复地练习不同姿势的手来加强手部绘画的能力。手的长度通常是下巴到额头发际线的长度，我们通过圆柱体与球体来分解描绘出手指的形态，在通过类似梯形来表现手掌；在通过几何体的草图定型后，才能细节刻画每根手指。
2.效果图
我说的效果图，英文为fashion illustration，最原本的意思是“时尚插画”。在没有相机的年代，手绘的时尚插画是宣传最新服饰款式最主要的的方式，常见于报刊杂志中。后来随着技术的进步，越来越多的设计师和公司开始使用软件来绘图，使用得最多的就是CAD（computer-aided design）类软件，如PS、AI等。之后我会更新详细的软件教程，链接会更新在这里。
我们刚才讲过，我们在做模特速写时，常常通过姿势的变换来表达感情与情绪，而“情绪”恰恰是时装画的灵魂，而非技法。
在效果图中，我们需要兼顾整体的布局与构图。
首先，我们要保证的是，在整个版面上，你的模特与衣服应该是突出的，而背景应该是单色的、无修饰的，从而确保你的人物永远是突出的，吸睛的。
其次，即使是加上了不同的服装与首饰，你的效果图仍然需要线条简明、干练，不要过多的零碎小线段与修改痕迹。
最重要的，还是我们之前所讲的，要做到“举重若轻”，尽量不要通过繁复的细节分散观看者的注意力，不要产生误解。
接下来需要注意的就是色彩搭配与面料表现。因为你的fashion illustration是一个整体，体现的是你的idea与成品的综合体，人体速写作为基础我先给大家铺起来，其他的部分我们一点一点讲。
书籍推荐：
中文：
《伯里曼人体结构绘画教学》：这本书内容细致，从头部的五官、轮廓、平面、构造、组块分布、透视画法，到颈部、躯干、肩胛骨、胳膊、手臂、肘关节、手部，再到骨盆、下肢、脚，最后到外部的着装、体积感和躯体的韵律，作者都给予了逐步讲解，并且通过基础测量理论来讲解如何画人体的轮廓和比例。
《时装画手绘表现技法·从基础到进阶》：从人体比例结构讲起，覆盖动态表现、着装表现，通过具体的步骤分析、讲解不同面料和风格的描绘方法。
《时装画技法·造型设计与手绘表现》：这本书主要以女装时装画的绘制为基础，知识讲述深入浅出，直观易懂。这本书也是不少服设培训机构的用书。
英文：
Fashion Illustration Techniques：这是一本实用、翔实的时装画书籍，也是不少学校、培训机构使用的教材，非常适合完全零基础的同学。
Drawing for Fashion Designers：这本书算是一本时装画的集大成之作，涉及的话题非常广泛，从基本的灵感收集与归类，到草图绘制，再到学习行业标准，甚至到市场与消费者心理分析，作者都有细致深入的介绍和讲解。
9 Heads：这本书可以算作时装画的《圣经》，内容异常充实，不仅有细致的手绘讲解，还有对Photoshop创作时装画的介绍与技巧。
Advanced Fashion Drawing：这本可以说是我当年的personal favourite。如果你已经对时装画“走火入魔”，心中无时无刻不在琢磨钻研时装画技巧，那么这本书就是最适合“画痴”使用的，因为作者讨论的是如何让时装画更高级、更有技巧。如果希望之后成为一名成熟、出色、个人风格明显的服装设计师(至少是一名fashion illustrator），那么这本书会教会你很多。
二、色彩与搭配
色彩无处不在，同时也是服装设计中的三要素之一（另两个要素为面料与款式）。我们的色彩选用应该不仅能够充分表达你的“情感”，更应该首先符合颜色搭配的基本原则。
关于色彩的产生，如光的波长、频率、振幅等，我这里暂不赘述，这种知识对于入门的大家来说并不必要。之后如果有时间了，我来跟大家认真讲讲。
1.基本概念
我们首先来介绍一些基本概念。
原色（primary colours）：即红、黄、蓝。为什么把这三个颜色称为“原色”（也有叫法是基色）呢？这是因为，这三个颜色无法由别的色彩调配而成。不同的行业中，三原色的色值会稍有不同。
间色（secondary colours）：间色就是两种原色混色而成的颜色。如果觉得这个名字难记，你也可以称之为“二次色”。
复色（tertiary colours）：复色就是将一种原色与一种间色混合而得出的颜色。它也有另一个名字，“三次色”。在实际应用中，低饱和度的复色是我们最常用的。
色轮（colour wheel）：了解上面几个概念之后，我们就可以开始了解“色轮”，如下图。色轮是设计师寻找、推导配色的主要工具之一，你可以根据自己的需求、偏好、或设计项目的复杂程度来制作色轮，将一个圆分为12等分、24等分甚至更多。之后，将红黄蓝置于等距的三份之中，并开始创作二次色、三次色等等，这样你就得到了一个自己的色轮。
2.颜色的维度
我们学习艺术，在形容颜色的时候，不应仅会将其简单归类为“紫色”“蓝色”等；在设计行业里，我们有多项维度（dimension）来辨别、描述颜色。
色相（hue）：简单理解，就是色彩的相貌；换句话说，就是我刚才提到的，用最直观、最直觉的方式来描述出的颜色，即红色、蓝色等等。基本的色相并不多，可以勉强概括为“红橙黄绿蓝紫”。而黑、白、灰三色则没有色相，为中立色。
饱和度（saturation/chroma/colourfulness）：或称为纯度，用来形容色彩的鲜艳程度。饱和度最高时，颜色最显眼、最纯粹。但我们在配色时，不可能仅使用纯色；在不同场景下，我们会不同程度地降低颜色的饱和度，使其从“艳”变“淡”，从而更方便表达我们的情绪。降低饱和度的方法有很多，但如果不想改变色相，也即不希望改变基本的颜色，我们通常会使用灰色、白色或黑色。
用通俗一些的方式理解，现在不少手机都拥有“阅读模式”，在这个模式下，屏幕上的所有颜色会逐渐变“淡”，直至所有颜色基本只剩下黑白灰。而这个过程，也就是厂商使用灰色使饱和度不断降低的过程。
色调（tone）、明/浅色调（tint）、暗/深色调（shade）：不同的色调只是同一种颜色的变体（variety）。
如果我们在某种颜色的色相中加入白色，那么这种颜色的色调就变浅；按照加入白色的量大小，则该颜色会有无数种浅色调。
反之，如果加入黑色，则色调变深，同样随着加入的黑色变化，该颜色也有无数种深色调。
此外，如果在某种颜色中加入纯灰色（正如“饱和度”部分所述），则降低了颜色的饱和度。通常来说，颜色中加入纯灰色（toned）对眼睛更加友好，我们日常生活中基本上所有颜色都经过toned处理。中文语境下，仅将tone译为“色调”，其实算是误译。
明白了tint,shade与tone，我们更是可以丰富自己的色轮，在基本的12或24等分上，加入这三个维度，理论上可以得到三个无数层级的高阶色轮。
色值/明度（value/brightness）：即颜色的“明暗”程度。这与之前的概念不太一样，因为“明度”直接将整个颜色理论体系拉到三维空间（如下图）。
可以说，明度是色彩中最重要的维度之一，因为这个概念直接与“光”相关。简单来说，明度可以用来表示物体反射光的多少；反射的越多，则明度越高；而完全无反射，则明度为0，成了纯黑色。明度的变化常常与色调相关：加入白色的颜色，明度会升高，同时变为浅色调，饱和度降低；加入黑色的颜色，则明度下降，深色调，饱和度也降低。
3.配色（colour scheme）
了解了基本的色彩概念与理论，我们就要开始更重要的工作：配色。
无论是初学者还是老手，色轮都是我们配色的最得力助手。根据色轮，我们通常有以下几种配色方法：
单色配色法：使用同一色相、不同明度与色调、不同饱和度的颜色来配色。这种方法也算是最保守的方式之一，因为相近的颜色通常非常协调，没有扎眼、突兀的观感，而且会给观者以多个层次与深度。
相似色配色法：使用相邻的三种或四种颜色进行搭配。与单色配色法相比，这种方式配的颜色更加丰富，同时也保证了视觉上没有大的冲击感、紧张感，给人以舒缓、细节的感受。
补色配色法：这种方式是从色轮上选取相对位置的两种颜色作为主色，例如红色与绿色。与单色配色法相比，补色配色对比性很强，因此在服装设计中，我们通常要降低饱和度、改变色调来让观者的体验更舒适。
分割补色配色法：与补色配色法类似，我们需要取色轮上相对位置的两种颜色；但比补色配色法更进一步，我们还会取两种颜色中任意一种颜色的相邻色，从而让两种互补色之间有了视觉上的缓冲，更加舒缓、自然。
三等分配色法：这种方法其实有些“回到原点”的感觉，因为红黄蓝三原色就是整个色轮的起点，恰好呈正三角形。这种方式配色会比较难，因为三种颜色比较难融合，只能以一种为主色，而另两种为衬托。
矩形配色法：其实可以看作分割补色配色法的升级版，即，从色轮上选取两组相对位置的颜色，同时两组相近的颜色均为相邻色。这种方式相对前面的几种更为复杂，但如果使用巧妙，往往有出其不意的效果。通常我们会选取这四种颜色中的一种作为主色，同时降低其他三种颜色的饱和度，从而突出重点，平衡画面。
4.服装的配色（colourway）
在服装设计中，我们最常讲的配色是“冷”或“暖”，即色轮的左右两边。通常情况下，我们讲的“暖色”基本是红色、橙色、黄色等，给人的感觉是活泼、热烈、带动周围气氛；而“冷色”基本是蓝色、绿色、紫色等，给人以沉静、舒缓的感受。
此外，黑色与白色是中立色，可以与冷色或者暖色搭配。
学习服装设计，我们更要将配色与下一部分涉及的面料、纹路充分结合，甚至还要考虑到肤色。在服装设计者中，原色系常常用于点缀、高光等，给平淡的搭配以活力；这也是为什么运动服饰中会大量使用原色系，甚至将其作为主色。一些设计师更加偏爱黑与白，常常用其作为主色，不加点缀或仅加很少的修饰。
我们用了比较大的篇幅来讲解色彩与配色的原理，但理论永远要妥协于现实。我们在生活中已经不止一次地看到各种与理论相悖的现象：同一款大衣，可能只有一种配色比其他的火爆；某个单品的颜色拿出来并不令人满意，可是与其他品牌的某件单品一搭配，却有出乎意料的美感，等等。
这也是服装设计中让人捉摸不定、引人入胜的原因之一：主观的、随机的、无征兆的、出乎意料的喜好与厌恶。这，不也正是人性所在么。
在服装设计行业中，色彩通常与季节紧密相关；除了气温、换季的原因，不同的颜色在不同的织物、面料上所产生的效果也并不相同。此外，各品牌、设计师在不同季节为自己的系列（collection）选择不同的主色调（palette），而主色调的选择灵感可能来源于各地的面料集市，或者面料实验室的最新成果。
尽管系列中的单品各自有所区别，但在专业设计师的手中，各个单品是相关联的，而连结它们的纽带，就是palette。palette英文原意为“调色板”，引申出“常用色的组合”这一含义。设计师通过对自己当季palette中不同颜色的调配，为不同的单品赋予不同的面孔与同一个灵魂。
书籍推荐：
色彩这方面比较尴尬，纯理论会非常无聊；而且我们上文已经提到，对色彩的感知与使用其实是非常主观的行为，因此我在这里只想大家推荐一些趣味性和实用性的书，起一个入门作用。
《Pantone色彩圣经》：说到色彩，就不得不提Pantone，这是一家在色彩开发和研究领域的权威机构，每年会发布《流行色报告》，同时还会发布春夏/秋冬季时装的流行色，可以说是设计类行业的权威风向标。《色彩列传》：这是一个关于色彩历史的系列书籍，从历史、社会与文化的角度，将几种色彩（绿色、黑色、蓝色）与历史大事件结合起来，以独特的视角解读历史。《色彩感知学》：这本书主要讨论的就是我前文提到的，不同人群、个体对于色彩的接受和感知程度的差别；这本书的作者更多地从哲学、心理学角度出发，给出超乎想象的推论。《配色设计原理》：一本实用的工具书，可当作字典用。三、面料
面料也是服装三要素之一。好的面料选择不仅可以诠释服装的风格和特点，更影响着服装整体的效果、整个系列的系列感、服装造型的表现效果。
面料相关的知识同样很庞杂，作为入门，我这里先给大家讲一些基础的内容。
1.梭织面料与针织面料
梭织面料(Woven Fabric) 也称机织物，是一种把经纱和纬纱相互垂直交织在一起的织物。基本的三种组织是平纹(plain)、斜纹(twill)、缎纹(satin weave)。其他不同的梭织面料也是基于这三种组织变形而构成的，比如，雪纺(Chiffon)、牛津布(Oxford)、牛仔布(Denim)、斜纹布(Twill)、法兰绒(Flannel)、花缎(Damask)等。
针织面料(Knitted Fabric) 是用织针将纱线或长丝构成线圈，再把线圈相互串套而成，有单双面之分。由于针织物的线圈结构特征，单位长度内储纱量较多，因此大多有很好的弹性。主要有汗布(single Jersey)、天鹅绒(velour)、鸟眼布(birdeyes)、网眼布(mersh fishnet)等。
2.常见面料的特性
棉布包括各类棉纺织品，分为全棉、人造棉等。由于其轻松保暖，质感柔和较为贴身，吸湿性和透气性很好，所以通常用来制作休闲装、内衣和衬衫，但是穿时间常后棉质面料容易缩水与起皱，外观上会出现松弛拖沓的效果，所以需要时常熨烫。
麻布是一种由大麻、亚麻、苎麻、黄麻、剑麻、蕉麻等各种麻类植物纤维编织制成的一种面料。由于质量强度极高，吸湿性、导热性和透气性好，所以通常被用来作为休闲装、工装、和普通夏装的面料。同时，质地比较粗糙生硬，可能会磨损皮肤，穿着体验感不佳。
丝绸是一种由蚕丝作为原料纺织而成的各种丝织物，由于其轻薄合身、顺滑透气、柔软贴服，颜色种类也繁多。织物光泽感较强，所以可以用来制作多种多样的女装，但是和棉布一样容易起褶皱，面料质量也比较脆弱，而且褪色很快，所以只适合短期穿戴。
呢绒面料也叫毛料，其下有各类羊毛、羊绒织物等。由于它防皱耐磨，手感较为柔软，挺括性和弹性较强，同时又十分保暖，所以可以被用来制成礼服、西装、大衣等高级服装，但是洗涤的时候需要注意成分不同的缩水率，洗涤方式会比较麻烦，而且过于厚，所以不适合用于夏装。
皮革是通过鞣制做成的动物皮毛面料，分为革皮（去毛处理的皮革）和裘皮（处理过的连皮带毛的皮革）。由于其轻盈保暖、质感很好，所以常被用于制作冬装、时装，但是这种面料的服装价格较为高昂，而且要注重定期护理和好的储藏方式。
化学纤维通常被称为化纤，它是以高分子化合物为原料做成的纤维纺织品，通分为人工纤维和合成纤维。这种面料色彩鲜艳、质地柔软、悬垂性强、舒适感好，但不耐磨、不耐热、透气性不好，高温下容易变形，并且很容易产生静电。
混纺是一种融合了棉、麻、丝、毛和化纤各自的优点的一种混合纺织的面料，它是以天然纤维和化学纤维按照一定比例混合而成，价格实惠，可用来制成各种服装，所以使用率很高。
书籍推荐：
面料部分我同样不会讲很多，因为除了你可以在图片上看到的、通过文字描述理解到的之外，更重要的是你真正能够实地观察到、摸到这些面料，以及你的视觉、触觉、灵感如何与这些面料碰撞，迸发出怎样的创意，是非常主观的。因此，作为自学的入门教程，我只带你了解有哪些面料、各种面料的特征，其余部分必须你自己来体会。接下来就是一些面料方面的书籍推荐，只三本，因为刚才讲到了，对于面料我们必须亲眼去看，亲手去感受，书也只能作个指引。
《服装面料与辅料手册》：这本书干货较多、品种齐全、实用性强，可以算作一本比较权威的面料百科全书式书籍。整本书会比较枯燥无聊，但实用性强，建议常看常新。The Fashion Designer's Textile Directory: A Guide to Fabrics' Properties, Characteristics, and Garment-Design Potential：名字太长了……但确实是面料领域非常权威的一本书。作者详尽地列出每一种服装和单品最适合的面料，并给出令人信服的依据。此外，作为一本directory，书中更是加入了500多幅彩图，带你了解面料的方方面面。Techno Textile 2: Revolutionary Fabrics for Fashion and Design: Book 2： 又是一本名字很长的书。这是著名的Techno Textile的升级版，主要为设计师、艺术家等提供一手的、最新最先进的面料，通过“创新”“应用”等角度为我们提供了面向未来的面料的全面视角。P.S. 在解面料的同时，大家也可以通过手绘来记录所学习和喜欢的面料，制作属于自己的面料手册。当然记录的手法因人而异，比如棉质面料可以使用平铺的方式绘制，可以用marker或者水彩颜料，而麻布可以使用色粉或者油画棒来展现那种粗糙编织的质感，等等。
在这之后，大家就可以初步尝试将面料的细节融入自己的时装画，让你的作品更加生动，更加接近成品。
四、制版、缝纫
到这里大家可能有点疑惑：明明是“做衣服”最重要的几个步骤，为什么一个小章节就结束了？因为题主问的是自学，但制版、缝纫这些内容，基本已经超出自学的范畴了，因为现代的服装设计与制作基本是studio-based。什么是studio呢？基本是下图这样：
作为自学的同学，家里可能不太有这个空间去摆人台或者专业的缝纫机，因此在几个部分就需要大家去能提供这些设备的地方好好学了。作为入门指南，我给大家概括说一点注意事项。
1.款式图、制版
之前讲效果图时，我们说illustration应该更多地表达情绪与个性。可能有的同学会问，只凭借表达情绪的效果图，做得出衣服吗？我们接下来就讨论这个问题。我们通常有两步来确保效果图与成品基本无异：款式图与平面制版。
款式平面图（fashion flats）我们通常简称其为flats。flat的意思是“平”，所以在款式平面图上，我们要将服装“平铺”在纸面上，同时画出正面与背面。与之前的效果图相比，我们通过款式平面图可以增添设计上的诸多细节，尤其在技术层面。因为如果我们的设计不在高定级别，那么就极有可能是成衣或高级成衣，而这就意味着我们必须要尽量以精准的尺寸、剪裁向制版员和工厂沟通，确保小规模或大规模生产的各项标准。
制版（pattern making）简单来说，制版（或称打版）就是将二维的设计转换为三维的（半）成品的过程。大致上来说，制版可以分为平面制版和立体剪裁两种方式。
大致归纳一下平面制版的步骤：
一，打基型首先确认上装基型，并确认基本数据二，打底图从局部细节入手，按照款式要求在基型上变化两种变化方法：1，几何作图法：即公式法，适用于大规模生产的基本服装，款式有限制2，剪切法：根据款式要求，在基型上用剪刀剪切、旋转、拉伸等三，复纸样即制模板，现在更多使用CAD软件。
立体剪裁（draping）
同样，立裁的优势与步骤，我也在自己专栏文章里写过了。
什么是立裁？简单来说，立裁就是将布料覆盖在人体模型或者人体上，将服装雏形用胚布打造出来之后，再将裁好的布样从人体模型（人台）上取下，进行修正以得到更精确得体的纸样，再制成服装的技术手法。这个定义已经将立体剪裁的基本步骤做了概述。那么，与平面制版相比，立体剪裁有什么突出之处呢？首先，我们必须明确，立裁也是制版的一种方式。第二，立裁主要依靠我们的视觉进行操作，因此更加直观。第三，立裁不需要我们去记忆平面制版上繁杂的公式，因此更容易上手。第四，立裁时我们更容易掌握布料的厚度和伸缩度，更能展示出人体曲线。第五，立裁由于不受数据和公式的束缚，无法像平面制版一样进行批量生产，因此更多用于创意设计、高级定制的婚纱、礼服等。
立裁的基本步骤：一，准备布料根据款式准备相应大小的布块，找正布丝纱向，并画出辅助线。二，垂平即是英文draping（立裁）的音译。将备布挂在人台上，保证布的纱向在关键部位保持垂直水平，并用大头针固定造型。三，做标记用铅笔画出各部位和缝线标志。四，造形将墨刻完毕的布取下，精准勾画缝线、剪口，形成原形布板。五，复刻用针滚轮和制板复印纸将原形布板转移到另一块布和纸板上。
书籍推荐：
制版：
《服装设计基础事典》：这本书融合了打版和缝纫，作者用20余年的服装制作经历总结出服装制作的十个流程，很有学习价值。《中道友子》三部曲：中道友子是日本文化学院的教授，她的制版技术使服装结构变得多样起来，书中还会有详细的步骤解读，简单易懂，感兴趣的同学可以根据步骤进行制作，学习过后在制版技术上也会有很大的提高。Metric Pattern Cutting for Menswear；Metric Pattern Cutting for Women’s Wear：这是作者分别为男装和女装制版撰写的书，自1975年首次出版后经久不衰，至今已是第五版，从制版的原则、流程、技巧等多个方面进行介绍和讲解，并附有多个样板供自学参考。The Art of Fashion Draping：这本书算是立裁的必看之一了，通俗易懂，深入浅出，缺点就是太贵……当年我没舍得买全新的，在学校的fair买了二手，收藏至今。
缝纫：
《做衣服》：来自大神山本耀司。这本书并不属于技术范畴，但对做服装有一定的指导。这本书会通过山本耀司本人的设计经历和设计时的心路活动来讲解做衣服的意义，其中还会穿插他工作时的照片，还有部分手稿，这本书对刚入门或者是迷茫期的设计师会有开蒙的作用。A Guide to Fashion Sewing：缝纫方面的权威教材，从零基础到熟练，教程非常细致，完全是step-by-step，适合零基础入门的同学。五、服装史、时尚风格的学习
关注时尚风格是学习服装的学生每天都需要去做的事情。在时尚圈，每天都有新闻发生，随时关注时尚圈的各种风格有利于自我的时尚审美提高，而时尚审美是服装设计十分重要的一部分。好的审美才能提高自我做服装设计时的要求，更加精益求精，更加细致。
在了解各个时尚风格之前，我们需要了解的是服装的历史。随着历史的发展，各个服装风格也在演变着，当今很多设计都是retro款，很多设计师也很喜欢回顾以前的服装款式，更不用提Gucci现在的主设计师Alessandro Michele引领了当今时尚界的复古风潮。
在学校图书馆我曾找到过一本20世纪服装演变史年鉴，这本书中记录了欧洲时期的服装演变图解，是一本很珍贵的藏书，有兴趣的同学可以尝试买二手进行学习。
我会在专栏文章中粗略讲解20世纪00年代至90年代的服装演变风格，并更新链接在这里。
书籍推荐：
History of 20th Century Fashion：这本书是服装史学习的必备，作者从社会、经济、技术等多个方面对20世纪服装的演变史进行阐释，并且对整个服装产业在这一进程中的发展做了详细阐述。20th Century Fashion：这是两位服装史研究大咖，本书探讨了男装、女装、发式、甚至珠宝在20世纪的发展历史，尤其结合了20世纪重大历史事件，娓娓道来。
